La América inquieta de los años 1930 y 1940
Esta sala reúne pinturas estadounidenses realizadas entre la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial, un periodo en el que varios artistas se alejan del optimismo de la escena americana hacia una mirada más oscura, a veces casi alucinada, sobre la soledad urbana, la guerra y el paso del tiempo.
1. Un apagón convertido en cuadro
Nighthawks, terminado por Edward Hopper el 21 de enero de 1942, muestra a tres clientes tardíos en un bar iluminado con neón, en la esquina de dos calles desiertas. Hopper explicó haberse inspirado en un restaurante real de Greenwich Avenue en Nueva York, pero la atmósfera del cuadro debe mucho a los meses posteriores al ataque a Pearl Harbor, en diciembre de 1941: Hopper, marcado entonces por los simulacros de apagón y la oscuridad casi total que ganaba las calles de la ciudad por la noche, traslada esa oscuridad inusual a la composición.
La mujer pelirroja del cuadro tiene como modelo a Josephine Nivison Hopper, esposa del pintor y pintora ella misma, que llevaba junto a él un diario compartido donde anotaban el progreso de cada lienzo; así se conoce la fecha exacta en que se terminó el cuadro. El Art Institute of Chicago compró Nighthawks el 13 de mayo de 1942, por 3.000 dólares.
2. Un espejo sin piedad para el paso del tiempo
Colgado en la misma sala, Al mundo vino un alma llamada Ida de Ivan Albright, pintado entre 1929 y 1930, muestra a una mujer envejecida frente a su espejo, representada con un detalle casi insoportable: cada arruga, cada mancha de la edad pintada con el mismo cuidado clínico. Frente a la soledad silenciosa de Hopper, Albright elige el exceso y la acumulación para evocar el mismo tema: el tiempo que desgasta los cuerpos y las vidas.
3. Blume y Guglielmi, ruinas y espera
La roca de Peter Blume, pintada entre 1944 y 1948, muestra una roca roja fracturada sobre una base que unos obreros están demoliendo más abajo. Encargado en 1939 por la familia Kaufmann para su residencia en Pensilvania, el lienzo le llevó años a Blume; sus imágenes superpuestas evocan la devastación y la reconstrucción, en eco a los trastornos de la Segunda Guerra Mundial y su posguerra, pero el cuadro terminado resultó demasiado grande para el lugar previsto y nunca llegó a instalarse allí.
El río de O. Louis Guglielmi, pintado en 1942, muestra a siete mujeres y un niño contemplando una extensión de agua reluciente que contrasta con un paisaje industrial al fondo, vestidas con la ropa modesta de la clase obrera durante su tiempo libre. Guglielmi señala con esta escena las dificultades de los trabajadores comunes durante la Gran Depresión y ante el auge del fascismo; pintado en plena guerra, en un momento en que las mujeres dominaban el espacio urbano mientras los hombres combatían fuera, el cuadro capta la monotonía cotidiana de un país en guerra.
4. Charles White, la esperanza que se levanta de los escombros
Tú, hermano mío de Charles White, pintado en 1942, muestra a un hombre de brazos extendidos levantándose de unos escombros demolidos. White, artista afincado en Chicago, hace de este cuadro una declaración sobre la igualdad racial y el cambio social: adapta a su protagonista de una novela de 1936 sobre el despertar político de un minero blanco, reinventándolo como un hombre negro que escapa de la destrucción, símbolo de una esperanza de transformación social. White resumía así su práctica: «La pintura es la única arma que tengo para combatir lo que me indigna».
5. Sheeler, el autorretrato que se niega a mirar
El artista mira la naturaleza de Charles Sheeler, pintado en 1943, es un autorretrato paradójico: pese a su título, Sheeler se muestra sentado ante su caballete, ignorando el paisaje vivamente iluminado que se extiende ante él, concentrado en dibujar una vieja estufa a partir de una fotografía que él mismo había tomado en 1917. Al reconstruir así elementos de su propio pasado como artista, mezclando fotografía y pintura, Sheeler crea algo nuevo y casi surreal en el presente, un gesto cuyo sentido exacto permanece deliberadamente ambiguo.
6. Shahn y Lewis, dos incorporaciones recientes a la misma inquietud
Contemporary American Sculpture de Ben Shahn, pintado en 1940, escenifica una exposición de escultura ficticia en el Whitney Museum: tres imágenes colgadas en la pared del fondo, que parecen cuadros expuestos, proceden en realidad de fotografías que el propio Shahn había tomado de trabajadores estadounidenses durante el New Deal. Esas figuras pueden ver hacia el interior de la galería pero quedan excluidas de su espacio «real»: un comentario sobre raza, clase social y exclusión en el mundo del arte, incorporado a las colecciones del museo en 2023.
Multitudes de Norman Lewis, pintado en 1946, superpone rápidas marcas caligráficas sobre un fondo de color pulsante; estas líneas densas evocan una multitud de siluetas, reflejo del interés de Lewis por formas no figurativas ligadas a la energía urbana. El título alude al poema de Walt Whitman Song of Myself. Lewis fue el único artista negro de la primera generación del expresionismo abstracto neoyorquino.
Cuánto tiempo
Ocho visiones muy distintas de la inquietud estadounidense de mediados de siglo: calcule un poco más de una hora para mirarlas todas.
- Antecedentes sobre la sala — 5 minutos.
- Nighthawks (Hopper) — 10 minutos.
- Al mundo vino un alma llamada Ida (Albright) — 8 minutos.
- La roca (Blume) — 6 minutos.
- El río (Guglielmi) — 6 minutos.
- Tú, hermano mío (White) — 6 minutos.
- El artista mira la naturaleza (Sheeler) — 6 minutos.
- Contemporary American Sculpture (Shahn) — 7 minutos.
- Multitudes (Lewis) — 6 minutos.
Fuentes y verificación
Verificado en las fichas oficiales del Art Institute of Chicago (artic.edu) y contrastado con Wikipedia ES/EN.
- Art Institute of Chicago — Gallery 262
- Art Institute of Chicago — Acquiring Nighthawks
- Art Institute of Chicago — Into the World There Came a Soul Called Ida
- WTTW Chicago — Edward Hopper's Iconic 'Nighthawks'
- Art Institute of Chicago — The Rock, Peter Blume (Gallery 262)
- Art Institute of Chicago — The River, O. Louis Guglielmi (Gallery 262)
- Art Institute of Chicago — This, My Brother, Charles White (Gallery 262)
- Art Institute of Chicago — The Artist Looks at Nature, Charles Sheeler (Gallery 262)
- Art Institute of Chicago — Contemporary American Sculpture, Ben Shahn (Gallery 262)
- Art Institute of Chicago — Multitudes, Norman Lewis (Gallery 262)
La presentación de las obras y la apertura de las salas pueden cambiar. Compruébalo en la web del Art Institute of Chicago el día de tu visita antes de seguir el recorrido.
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