American Gothic de Grant Wood en Chicago

La escena americana entre las dos guerras

Esta sala reúne pinturas realizadas en las décadas de 1930 y 1940 por artistas asociados al movimiento de la escena americana y a sus márgenes —muralistas mexicanos, pintores de la Gran Migración, un retratista de lo macabro—, que buscaban todos representar la vida rural y urbana del país en un estilo figurativo accesible, a contracorriente de las vanguardias europeas de la misma época.

1. Un hermano, una hermana y un dentista que nunca se conocieron

American Gothic, pintado por Grant Wood en 1930, muestra a un granjero con una horca y a una mujer más joven de pie a su lado, ante una casa de fachada de madera con una ventana ojival de estilo neogótico que Wood había visto en el pequeño pueblo de Eldon, Iowa. Para pintar a las dos figuras, Wood usó como modelos a su propia hermana, Nan Wood Graham, y a su dentista, Byron McKeeby: los dos nunca se conocieron, cada uno posó por separado en el estudio del pintor, y la casa se pintó en un viaje aparte.

2. El malentendido que acompañó al cuadro durante décadas

Grant Wood siempre sostuvo que había querido representar a un padre y su hija, no a un matrimonio: una precisión confirmada en una carta de 1941 a una corresponsal. Nan Wood Graham, incómoda ante la idea de pasar por la esposa de un hombre que le doblaba la edad, insistió toda su vida en esta lectura de padre e hija, sin lograr borrar del todo la interpretación contraria, popularizada por generaciones de parodias publicitarias y políticas que muestran el cuadro como el retrato de una pareja rural estricta y austera.

3. Zapata, el mismo año, una América completamente distinta

Zapata, pintado por José Clemente Orozco en 1930 —el mismo año que American Gothic—, muestra al revolucionario mexicano Emiliano Zapata enmarcado en una puerta, rodeado de compañeros de armas y figuras de luto. Orozco, uno de los principales muralistas mexicanos, elige una imaginería violenta —cartucheras cruzadas sobre un hombro, una espada apuntando a un ojo— para ofrecer un retrato ambiguo antes que un homenaje: Zapata, asesinado en 1919, encarnaba para los artistas mexicanos de izquierda el conjunto de la lucha revolucionaria, con sus sufrimientos tanto como sus ideales.

Pintado en California, este gran formato recuerda que el mismo año que vio nacer la imagen más apacible de la América rural también produjo una de sus imágenes más habitadas por la violencia política, al otro lado de la frontera.

Weaving («El tejido»), pintado por Diego Rivera en 1936, muestra a Luz Jiménez, maestra tejedora nahua, pasando la trama en un telar de cintura, con la parte terminada del tejido apoyada en su regazo. Rivera, figura destacada de la pintura moderna mexicana tras la Revolución (1910-1920), defendió una identidad nacional enraizada en las culturas indígenas y populares, distinta del legado colonial español; al situar a Jiménez en el centro, reivindicó sus tradiciones como propias. Esta témpera y óleo sobre lienzo (66 × 106,7 cm) fue comprada en el estudio del artista, en México, en 1936 por Julie F. Miller, de Chicago, y donada al Art Institute por su hija en 1998.

4. Ellison y Lawrence, la Gran Migración contada desde dentro

Estación de tren de Walter Ellison, pintado en 1935, muestra una escena de partida en una estación, contrastando a viajeros blancos que embarcan hacia Florida por placer, asistidos por mozos negros, con viajeros negros que parten hacia el norte —Chicago, Detroit, Nueva York— para escapar de las leyes Jim Crow y buscar mejores condiciones de vida. Ellison, que él mismo dejó Georgia por Chicago hacia 1926 como parte de la Gran Migración, firma el cuadro con sus iniciales sobre una maleta, una firma discreta de una experiencia personal.

La boda de Jacob Lawrence, pintado en 1948, muestra una ceremonia de matrimonio vista de espaldas, con los invitados vueltos hacia un pastor apenas visible, rodeados de jarrones de flores de colores que simbolizan la felicidad y la prosperidad prometidas a los novios. Lawrence, que dedicaría series enteras a la Gran Migración y a la historia de Harriet Tubman, resumía así su método: «Pinto las cosas que he vivido».

La habitación n.º VI (The Room No. VI), pintada en Chicago en 1948 por Eldzier Cortor, que allí creció y estudió, expone las míseras condiciones de vida de muchos afroamericanos del South Side: por la discriminación en la vivienda, con frecuencia se los confinaba en «kitchenettes», apartamentos subdivididos en habitaciones únicas con acceso limitado a una cocina o a un baño. Una mujer desnuda ancla la composición, flanqueada por otras tres personas cuyos cuerpos, encuadrados de cerca, se extienden sobre un mismo colchón; Cortor subraya los motivos y las texturas —sábanas, suelo, papel pintado— y, con un vocabulario deliberadamente decorativo, transforma un escenario sombrío en una composición luminosa. Óleo y gesso sobre Masonite (106,9 × 79,9 cm).

5. Benton y Albright, el trabajo y el mal

Los recolectores de algodón de Thomas Hart Benton, pintado en 1945 a partir de recuerdos de una estancia en Georgia a finales de los años 1920, emplea un estilo sinuoso y curvo para plasmar el esfuerzo físico de ese trabajo. El cuadro evoca la aparcería, un sistema agrícola surgido tras la Guerra de Secesión que perpetuó la pobreza de los trabajadores negros y se convirtió en símbolo de una injusticia a la vez racial y económica.

El retrato de Dorian Gray de Ivan Albright, pintado en 1943-1944, es el retrato corrompido realizado para la adaptación cinematográfica de la novela de Oscar Wilde estrenada en 1945: a medida que el protagonista de la película se hunde en la depravación, es este cuadro el que, en pantalla, registra su decadencia moral, el único plano rodado en color dentro de una película por lo demás enteramente en blanco y negro. Albright, ya conocido por su estilo macabro, era el candidato evidente para este retrato grotesco; expuesto en el Art Institute, el cuadro atrajo entonces tal multitud que el Chicago Tribune informó de que el museo «lo está pasando muy mal para gestionar la afluencia».

Cuánto tiempo

Mira los rostros de American Gothic: nada en los rasgos de ninguno de los dos modelos indica en realidad un vínculo conyugal; fue el encuadre cerrado y la postura lo único que bastó para crear el malentendido. Calcula aproximadamente una hora para las ocho obras seleccionadas de la sala.

Antecedentes sobre la sala — 5 minutos.
American Gothic — 8 minutos.
El malentendido padre-hija / matrimonio — 6 minutos.
Zapata (Orozco) — 6 minutos.
El tejido (Rivera) — 6 minutos.
Estación de tren (Ellison) — 6 minutos.
La boda (Lawrence) — 6 minutos.
La habitación n.º VI (Cortor) — 6 minutos.
Los recolectores de algodón (Benton) — 6 minutos.
El retrato de Dorian Gray (Albright) — 7 minutos.

Fuentes y verificación

Verificado en las fichas oficiales del Art Institute of Chicago (artic.edu) y contrastado con Wikipedia ES/EN.

La presentación de las obras y la apertura de las salas pueden cambiar. Compruébalo en la web del Art Institute of Chicago el día de tu visita antes de seguir el recorrido.

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El Art Institute of Chicago

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Escucha el comentario en el museo

El recorrido te da un hilo conductor. Ante una obra, CulturAll añade el comentario de audio: fotografía el cuadro o su cartela, escucha y haz tus preguntas.

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